Cargas.

     El último trabajo para Fundamentos de la Pintura. Teníamos que emplear cargar en un bastidor armillado que nosotros mismos fabricamos.

     Colocados los tablones de madera como en el primer bastidor que hicimos, lo siguiente fue rascarlos con algo cortante y hacer lo mismo en el tablero de contrachapado de las mismas dimensiones, por el lado en el que iba a unirse con los listones. Colocamos cola blanca o acetato de polivinilo en grandes cantidades y unimos. Mantenemos la presión con 8 gatos, limpiamos la cola que salga por los bordes y dejamos secar durante algún día. Después se lija y se le dará a todo el bastidor un par de capas de imprimación (polivinilo+creta+pigmento blanco+agua en iguales proporciones). Así quedará la parte posterior:

     Para este trabajo decidí emplear una técnica que estudiamos anteriormente, la encáustica, y como cargas hacer un transfer, cadenas y etiquetas.

     Lo primero fue dar una capa a la plancha con acrílico cobrizo y solté pigmento cobre en polvo para que tuviera zonas más saturadas de color. La intención fue que al abrirse la cera aplicándole calor, ésta dejara entrever ese fondo envejecido.

     Realicé heridas en la madera para que absorviera más la cera y potenciara la sensación de envejecimiento.

     Reservé la zona donde iba a ir el transfer de una foto (que me hice y retoqué) aplicándole una capa de cera blanca para que no influyera en el tono de la impresión. Coloqué la fotocopia de toner realizada una hora antes (es aconsejable no dejar pasar más de 4 horas) y presioné con un objeto redondo (en este caso una cuchara de metal) muy concienzudamente por toda la superficie, intentando que no quedara ninguna zona sin "empotrar". Hay que tener en cuenta que si no se hubiera tratado de encáustica como base para el transfer, deberíamos haber dado una capa de imprimación al soporte (1 volumen de acetato de polivinilo por 1 de agua) y al retirar el papel otra capa (20% acetato y 80% agua) para evitar el tono blanquecino de las fibras del papel.

     Al resto le di una pimera capa de cera teñida con el pigmento cobre empleado anteriormente. Incrusté malla de gallinero cortada a trozos en esta primera capa y luego di otra jugando con las diferentes tonalidades del magenta y el blanco. Así en algunas zonas la malla quedaba cubierta por la cera pero dejándo su forma y en otras totalmente visible. Cuando la cera empezaba a estar dura jugué con malla para dejar las huellas impresas por zonas. En otras partes saqué la malla incrustada anteriormente dejándo los agujeros. Llegó el momento de la pistola de aire caliente y el soplete para abrir el material y hacer una especie de surcos en los que se veía el fondo de la madera teñida de cobre. Di retoques con cera en las partes en las que el calor había dado formas a la pintura que no me convencían.

     Y llegaron las 3 horas de dedito mojado en agua templada para arrastrar el papel de la impresión y dejar así sólo la tinta impregnada en la cera. Si haceis esto, que sepais que es normal que, llegados a un punto, el dedo parezca que está muerto y no tenga ningún tipo de sensibilidad... Cuando quedó toda la imagen al descubierto también le hice heridas (rascadas, agujeros,...) para envejecerla. Una vez finalizado el transfer le apliqué una capa de barniz en spray para proteger el papel (ya que de haber usado cera, que no es incolora, habría dejado  la imagen más blanquecina).

     Siguiente paso, escribir en las etiquetas, quemarlas y pegarlas en la parte inferior a modo de montaña. Para que quedaran duras les dí un baño con una cantidad pequeña de cera.

     Y por último pegué las cadenas (medidas y cortadas previamente) con superglue. A la recién rota que sale de la boca le colgué la etiqueta final, que había sido bañada en cera.


     Este es el último y, para mí, mejor trabajo que he hecho en esta asignatura. Me gusta tanto a nivel plástico como por lo que representa:

    
     Adiós Fundamentos de pintura 1!!! Hasta pronto Raquel!!!

     GRACIAS!!!!!!

Bodegón mediante veladuras en óleo.

El trabajo trataba de pintar con óleo un bodegón de clase. Como a mí no me hacía especial ilusión ninguno de ellos decidí hacer el mío propio, esto es, me llevé unos zapatitos.

Lo primero de todo fue realizar el encaje a carboncillo y dar luces y sombras a través de este material, configurando así la infrapintura que ayudará posteriormente a dar el volumen. Una grisalla de color siena en el fondo fue la base para ir añadiendo tonos. El trabajo con esta técnica, que para mí era la primera vez, resultó complicado, sobretodo por la dificultad de reproducir objetos y luces en algo tan pequeño. Así que decidí hacer el bodegón principalmente empastado y el fondo, eso sí, a través de veladuras mezclando tonos. El hecho de que el óleo tarde en secarse tiene sus beneficios (que puedes hacer degradados con facilidad) y sus inconvenientes (si necesitas que se seque para dar otra capa estás vendido!).

En cuestiones de composición opté por algo que para mí era muy importante, dejar a un tamaño reducido los zapatos y las huellas, porque lo que importa es lo que no se ve en el cuadro, pero que tiene su espacio reservado.

El significado? Que cada uno lo interprete como quiera. Alguien en el tren lo calificó como "la involución de la mujer". No iba desencaminado....

Encáustica.

Esta es la presentación que hicimos la semana pasada sobre la "Encáustica" Belén Cañizares, Nerea Galán y servidora. En ella podreis encontrar todo tipo de información sobre esta bonita pero engorrosa técnica, tan poco extendida en España.

Estudio sobre encáustica

Reproducción de cristal sobre lienzo.

     Después de los bocetos para el trabajo de "Cristal" comenzamos con nuestro primer lienzo (yujuuuu!!!). Para ello prepararemos el bastidor previamente:

     -compramos las maderas montadas, preferiblemente de pino o álamo. Tamaño 50x80 centímetros aproximadamente, y tela de lino o algodón.
     -colocamos la tela por la parte en la que los listones tienen una pequeña endidura (esto hace que la tela no quede pegada a la madera).
     -empezamos grapando (3 grapas unidas en sentido diagonal) la tela en el centro de uno de los listones más cortos.
     -desde el otro lado tensamos (si tenemos pinzas tensoras mejor) y hacemos lo mismo en el listón opuesto.
     -después 3 grapas más en el centro del listón más largo y finalmente el cuarto (tensando también). La tensión debe ser media, porque en exceso hace que la tela se abra y la capa de imprimación la atraviese, y poco tensa deja el lienzo flácido.
     -completamos el grapado en los espacios de los listones que están vacíos, ya con una separación entre grapas un poco mayor, y sin olvidarnos de tensar un poco.
     -se recorta el sobrante de tela que queda detrás, dejando un mínimo en las esquinas para poder doblarla. Las dobleces en las esquinas se hacen enfrentando laterales, es decir, si dejamos las dos esquinas del listón largo con la doblez mirando hacia adentro, haremos que las del listón opuesto miren hacia adentro también.
     -aplicamos una primera capa de imprimación en un sentido. Ésta está compuesta a partes iguales por creta, pigmento blanco, acetato de polivinilo y agua. Una vez seca aplicamos una segunda capa en sentido contrario. Al secarse ya podemos comenzar a pintar!


     El ejercicio consiste en reproducir la misma imagen dos veces, una con acrílico y otra con acrílico acuarelado. Según mis bocetos y el montaje de prueba que hice en Photoshop el desenlace fue este:

Prueba encaje con Photoshop

    

Lienzo

     La mayor dificultad fue, como no, el acrílico acuarelado, que consistía en hacerlo a base de veladuras para aumentar los tonos,... Las partes finales, a base de práctica, ya salieron mejor, pero el principio....un pequeño desastre! Aún así, a mí megusta, qué quereis que os diga... :-D
    

Bocetos trabajo "cristal".

     Para la asignatura de Color/Fundamentos de la Pintura hemos hecho nuestra primera pieza sobre lienzo. Anteriormente teníamos que realizar tres bocetos de lo que sería el trabajo. Éste consistía en reproducir algo de cristal, ya sean las transparencias, brillo,... Yo elegí representar las deformaciones que hacen algunos cristales sobre las imágenes. Para ello escogí una fotografía a la que apliqué varios filtros de Photoshop (entre ellos "Distorsionar"----->"Cristal"-----> Textura "Cubos").

     Los bocetos serían:

     -lápiz o carboncillo.
     -acrílico.
     -acuarela.

    

Fotografía retocada

Boceto lápiz

    

Bodeto acrílico

     El de acuarela está por subir.

Bodegón con óleo.

 


     Hola Raquel, estos son los bocetos APROXIMADOS hechos con el ordenador de lo que será mi bodegón particular:

   

      Esta es la opción horizontal y sin marco, aunque yo apuesto por la primera!

     Trato hecho?

     ;-)

Retrato Collage y reproducción con espátula.

     El collage que debíamos hacer para la clase de pintura consistía en un retrato. Yo, para no ofender a nadie, me utilicé a mí misma y así evitar enemigos.

     En revistas porno encontré grandes superficies de carne impresa, así que para mi rostro tan sólo empleé unos pocos recortes que ya tenían degradación de tonos. Para el fondo, en un principio blanco, decidí hacer unas franjas de colores y así poder practicar más con la espátula a la hora de hacer la reproducción en acrílico.

     Me dijeron que parecía una especie de caricatura...y viéndolo bien...pues sí! Pero me gusta!

     Y voilá!!!!


                                                

COLLAGE

ESPÁTULA

     No es gracioso????

     P.D.: la experiencia con espátula me ha gustado mucho, me sentía Benito pero con precisión y suavidad a la hora de poner la carga. El tema carnación y su degradación me sigue resultando difícil... Muy difícil.

Trabajo sobre jardines Impresionistas.

     Después de visitar la exposición en Caja Madrid de Jardines Impresionistas, el trabajo consistía en hacer un zoom de 4 cuadros y reproducirlos intentando ser lo más fiel posible. Así debíamos utilizar (en la medida de lo posible) su trazo, intentar buscar los tonos del cuadro,...En fin...hacer una imitación.

     Analizar cómo están pintados, más aguados o menos, qué tonos ponen por encima de otros, cómo es el trazo,...era cuestión de observar detalladamente. El único requisito tiempo y dos ojos (o quizás con uno vale...). Lo de encontrar los tonos...pues ya fue un poco más complicado, principalmente porque ellos pintaban sobre lienzo (color más oscuro) y con óleo (facilita la mezcla de tonos en el soporte por tardar mucho más en secarse). Y además, se reducen bastante las posibilidades jugando con una paleta de acrílicos tan escasa como es la mía.

     Bueno, pues después de sudor y lágrimas aquí está el resultado (primero cuadro original y luego la reproducción, por si alguien no ve la diferencia....):

"Turning road at Montgeroult". Cézanne.

 

"Starry Night", Van Gogh.

"Woman with a parasol in a garden", Renoir.

"Evening, Honfleur", Seurat.

     Unos se parecen más...otros menos...pero bueno, ha sido muuuuy duro...



   

Colores análogos en 50X70.

     A partir del trabajo de pintura donde hicimos 6 reproducciones de una imagen basándonos en 6 tonos distintos y sus análogos, debíamos elegir una de ellas y hacerla en grande, esto es, 50x70. La complicación del trabajo era emplear lo más exacto posible, los tonos de la muestra, con la misma saturación y el mismo brillo a ser posible. Bufffff......

     Yo elegí el rojo porque era el que más se acercaba a lo que debía ser el ejercicio en lo referente a colores empleados y análogos (incluyendo también tonos cercanos en el círculo cromático).

     Fue diffícil, realmente, sobretodo cuando no gozas de una buena iluminación en tu sitio de trabajo, y te vuelves cegata para intentar ver si los colores son idénticos o no. Y para colmo, al verlo en clase, con una buena iluminación, te das cuenta de que casi todos los tonos son distintos!!!

     Bueno, el resultado este, y una obligatoria visita al oculista....

    

Acuarelas.

          El siguiente material a realizar en clase fueron las acuarelas. La fórmula es:

          -40 gramos de goma arábiga.
          -60 cc de glicerina.
          -aguamiel (pequeña dosis)
          -pigmento.


          Preparamos primero el aglutinante (goma arábiga): tapón y medio de agua hirviendo por un tapón de goma en polvo.
          El aguamiel, que da plasticidad a las acuarelas, se consigue mezclando una cuchara tamaño café de miel más dos tamaño postre de agua.
          La glicerina se usa en pequeñas dosis en la mezcla para absorver el agua.

          Todo lo anterior se mezcla en un bote y se le añade a la cantidad de pigmento que queramos transformar en acuarela hasta coseguir una textura de yogurt. Como siempre, cada pigmento funciona de una manera distinta y requiere pequeñas modificaciones en las proporciones de los componentes.

          Nuestras primeras mezclas salieron demasiado líquidas (semanas después todavía están húmedas). Pero como no todas son en pastillas (existen acuarelas líquidas, en tubo,...) pues para pintar nos sirven, aunque para clase no! Así que las repetimos. Las segundas salieron algunas demasiado secas, se craquelaron! Pero bueno, entre unas y otras ya se pueden hacer las primeras pruebas y experimentos:

Pigmentos y café flotando en agua.

Pigmentos en agua y húmedo sobre húmedo.

Polvos de maquillaje brillantes y húmedo sobre seco.

Seco sobre seco.

  Sal y húmedo sobre seco.

Cera de velas y seco.

Pasteles y bodegón con los mismos.

     La fabricación de pasteles no fue demasiado laboriosa, aunque las motas de pigmento por toda la casa la convirtieron durante un rato en una instalación Pollock. Y el resultado fue....cómo lo diría? Bastante..... desastroso??? Unos con demasiada creta, otros con poca goma de tragacanto,....unos demasiado duros que casi no impregnaban el papel, otros que se deshacían al presionarlos,... En fin...un pequeño desastre....

     Las proporciones teóricas eran:

          -3 cucharadas rasas de pigmento.
          -1 cucharada de creta.

     Se mezclan bien con unas gotitas da agua y se le añade goma de tragacanto previamente preparada (2 gramos por litro de agua, preferentemente destilada, y dejándola reposar hasta que se disuelva, aproximadamente 1 día).

     Sin embargo, cada pigmento se comporta de una manera distinta, así que deberíamos hacer pruebas y pruebas hasta dar con la consistencia perfecta para cada color.

     Con nuestros pasteles en la mano nos toca pintar el bodegón en tonos complemetarios, a ser posible, intentando reflejar bien los espacios más luminosos.

     Este fue el resultado:

     Cubrientes no??? Pues es que se me acabaron los hechos a mano y tuve que acabar el trabajo con unos comprados! Madre mía...qué diferencia.....!!!

Bodegón a color.

     El segundo trabajo de esta asignatura fue pintar el mismo bodegón a color. Los elementos del mío eran blancos, aunque se reconocía cierto tono debajo, así que decidí hacer lo mismo con el acrílico: pintar cada elemento del color que se entreveía y encima dar una capa de blanco.

     Los elementos no quedaron tan claros como quería, pero para eso voy a utilizar una técnica que me chivó un pintor de la plaza mayor cuyos cuadros parece que están detrás de una tela blanca: con la pintura muuuuuy aguada dar una capa a toda la superficie. Para ello emplearé un trapo o una esponja. Ya colgaré el resultado cuando lo haga!

Busto armonía de análogos.

     A ver, no sé exactamente si esto estará bien, pero estos son los bocetos a ordenador que he conseguido hacer para luego pasarlos a pintura....

    

      Raquel, si lo ves dime algo por favor...Voy bien?  :-S


     RECTIFICACIÓN: Como creo que va a ser un trabajo bonito y eso de hacer las cosas con una motivación extra siempre va bien, he decidido cambiar la imagen del busto de este señor desconocido por la de una foto más personal. Ésta va a ser:

     Me falta decidir si va a ser sólo la cara de mi querida amiga Anna o la composición de las dos (pero es que igual me tiro hasta Navidad del 2011...)!


     10.01.´11: Pues hasta entonces no, pero cada cuadradito me costó 8 horitas, o sea, 6 días sin salir de casa más que para ir a trabajar? Madre del amor hermoso.. Pero el resultado merece la pena...

     Se trataba de, dentro de cada color elegido, jugar con sus diferentes tonalidades y, a ser posible, utilizar también colores cercanos en la escala cromática. Ahora solo queda elegir uno y hacerlo en 50X70!!!