Collage y reproducciones.

     EL TRABAJO. Sí, con mayúsculas. Por lo menos para mí hasta el momento! Madre del amor hermoso...no quiero ver más papelitos hasta el 2019... Ah no! Que tenemos que hacer el autorretrato en collage...jijijii.... Ejem.....Nada nada Raquel, que estoy ansiosa por seguir cortando diminutos papeles, esta vez con una distracción añadida (sí, compré las porno que tienen taaaaanta carne).

     Bueno, a lo que iba. La imagen era libre, así que escogí la ilustración de una revista de una vírgen Mejicana, la Virgen de la Muerte, según me informaron. Es esta que tiene cara de calavera y muchas flores y colorido.

     Quise jugar con las texturas de cada tipo de papel y con el tipo de corte (aunque todos eran sin emplear tijeras...) para diferenciar los elementos que componen el collage. Así el fondo de flores es papel coloreado, la parte de la piel es de seda, el cuerpo y rostro de revistas, la aureola es cartulina brillante y el mantón papel de bandejitas de catering (así podía dar volumen a este objeto).

     Al final no fue la Vírgen de la muerte porque la cara de calavera no quedaba demasiado bien, así que puse dos ojos y boca de fotografías de revista. Y aquí viene la explicación del título: estaba viendo cómo hacer la nariz e intenté ponerle los dos agujeritos típicos negros y punto. Pero al hacerlo uno se me movió y se colocó donde yo tengo un lunar y pensé "Hostia! (perdón Raquel, pero es lo que pensé...), si soy yo!!!". Así que así se quedó y su título es "Para santa yo!" Egocentrismo??? Naaaaaa.....

    


     Segundo round del trabajo más largo de la historia de los trabajos largos, reproducir un cuadrado de 15X15 de la parte que se quisiera escoger del collage. 4 versiones: escala de grises (en gouache), tonos fríos, tonos calientes y libre (estos 3 últimos eran técnica optativa). Yo los hice en acrílico todos y la versión libre con los colores primarios y complementarios.

         

     A tres horas por cuadrado....a calcular!

Autorretrato con puntos y líneas.

     Este era un trabajo voluntario. Se trataba de hacer un autorretrato con puntos, líneas o las dos cosas a la vez. La técnica y el uso de color era opcional.

     Yo usé un Pilot ,tamaños 8, 4 y 2 dependiendo de lo quel sombreado o la importancia de la línea. Primero tracé lo que serían los contornos más básicos y después rellené el supuesto color con puntos. Creo que me gustaba más sin los pun-ti-tosss....

         

Elemento natural a lápiz.

     Uno de los trabajos que nos mando Macarena era buscar un elemento natural y dibujarlo a lápiz. Yo escogí esta hoja que llegó desde un gran árbol a mí ventana de la cocina...

         

  
      Intenté reflejar todas y cada una de las venas (más o meeeenos), pero llegó un punto en el que mis ojos no daban para más. Creo que nunca me había fijado tan al detalle en una hoja...Son curiosas....

Trabajo de Iconicidad.

     Dentro del sistema visual distinguimos:

          -Imágenes: representan escenas, pensamientos o sensaciones.
          -Signos: sistituyen o representan a objetos, acciones e indicaciones.

   
     Las imágenes pueden ser de tres iconicidades distinas:

          -Alta: imágenes realista y objetivas (hiperrealismo, fotografía)
          -Media: imágenes figurativas, reconocemos formas reales.
          -Baja: imágenes abstractas o símbolos.


     En base a esto, el trabajo consistía en realizar un ejemplo de los tres tipos de iconicidad elegiendo lo que cada uno quería, daba igual si era el mismo objeto u objetos diferentes. La técnica era opcional.

     Yo elegí pintar un ojo (el mío) a partir de una foto. Utilicé varios filtros de Photoshop para deformar la imágen. Como técnicas opté por hacer cada uno en una distinta, así que empleé pastel para el primer ejemplo, acrílico para el segundo y lápiz, carboncillo, conté y Pilot para el tercero.



Iconicidad alta. Técnica PASTEL.

 

Iconicidad media. Técnica ACRÍLICO.

Iconicidad baja. Técnica LÁPIZ, CARBONCILLO, CONTÉ Y PILOT.

         


            Era la primera vez que trabajaba con pastel y la verdad es que se me hizo un mundo al principio, no sabía por donde empezar! Pero después de una 5 horas (sí, 5 horas para un dibujo de ....30X20???) el resultado no es el mejor del mundo pero me sorprendí a mí misma... Con acrílico ya había trabajado, así que no fue tan dificultoso, aunque pintar cuadrito a cuadrito (de unos dos centímetros cada uno) fue una pequeña tortura china. El tercer trabajo no me gustó nada, pero una vez hecho y con la falta de tiempo ahí se quedó!

P.D.: las fotos y sus recortes son un asco....sí.

Trabajo de luz y sombras en escala de grises.

     El segundo trabajo de esta asignatura consistía en hacer un cuadro de escalas de grises y pintar un objeto blanco (preferiblemente mate) en escala de grises basándonos en las luces y sombras que lo definían. La teccica empleada fue otra vez Gouache.

     Este fue el resultado:

         

          Empecé por los tonos más claros, pero al querer hacer las líneas tan finas se me empastában, así que se ve como un poco difuminado. Con los todnos más oscuros y las franjas más grandes mucho mejor!

          Quizás esté mal decirlo y suene un poco pedante, pero como no recuerdo la última vez que saqué esta nota la voy a decir ....me hace ilusión....un 10!!!

          Llililili....lalalala....   :-.D

Trabajo "Leyes de Gestalt".

     La palabra "Gestalt" hace referencia a figura, forma, organización o estructura.

     La teoría de la Gestalt propone una serie de principios sobre la percepción:

   
          -Ley de pregnancia.
          -Principio de similitud o semejanza.
          -Principio de proximidad.
          -Principio de dirección común.
          -Principio de cierre.
          -Principio de continuidad o ley de la vinculación.
          -Principios de diferenciación figura-fondo.
          -Principiom de simetría.
          -Ley de contraste.
          Ley de enmascaraniento o de la inclusividad.
          -Ley de la experiencia o de la familiaridad.


     El primer trabajo de la asignatura "Análisis de la forma" consistía en realizar una composición en las que estuvieran incuidas una o varias de estas leyes. Técnica Guache.

     A mi trabajo me dio por llamarlo  "El hombre berenjena". Después de unas pequeñas correcciones (antes había sido un retrato con cabeza de piña, a lo que Macarena calificó como de "demasiado infantil") opté por hacer esto:

         
         

     Ya....ya...lo sé...no es gran cosa, pero para ser la primera vez en mi vida en la que experimentaba con Gouache creo que no quedó tan mal... La idea tal vez sea un poco simple, así que he pensado en repetir el trabajo, pero todo dependerá de si conseguimos liberarnos un poco del estrés deberístico!

     La profesora me dijo que se me daba bastante bien y que la pintura esta aplicada correctamente, que cubría mucho y de manera regular. ;-)

     Las leyes  de Gestalt que cumpl,e son:

          -Principio de proximidad: los elementos que se encuentran cercanos en el tiempo y el espacio se tienden a percibir como agrupados o formando parte de un mismo objeto.
          -Principio de enmascaramiento o de inclusividad: cuando una figura simple forma parte de una configuracion más compleja, pierde su identidad y resulta difícil reconocerla.

     ..... ¿no?

Busto armonía de análogos.

     A ver, no sé exactamente si esto estará bien, pero estos son los bocetos a ordenador que he conseguido hacer para luego pasarlos a pintura....

    

      Raquel, si lo ves dime algo por favor...Voy bien?  :-S


     RECTIFICACIÓN: Como creo que va a ser un trabajo bonito y eso de hacer las cosas con una motivación extra siempre va bien, he decidido cambiar la imagen del busto de este señor desconocido por la de una foto más personal. Ésta va a ser:

     Me falta decidir si va a ser sólo la cara de mi querida amiga Anna o la composición de las dos (pero es que igual me tiro hasta Navidad del 2011...)!


     10.01.´11: Pues hasta entonces no, pero cada cuadradito me costó 8 horitas, o sea, 6 días sin salir de casa más que para ir a trabajar? Madre del amor hermoso.. Pero el resultado merece la pena...

     Se trataba de, dentro de cada color elegido, jugar con sus diferentes tonalidades y, a ser posible, utilizar también colores cercanos en la escala cromática. Ahora solo queda elegir uno y hacerlo en 50X70!!!

"Jardines Impresionistas". Fundación Caja Madrid.

     Haciendo caso omiso de mi autoconsejo "ni se te ocurra pisar el centro un sábado por la tarde de Navidad", me dirigí con una amiga a la fundación Caja Madrid.

     Primer obstáculo: llegar hasta allí...un verdadero infierno. Es inevitable (para mí) soltar algún que otro taco, mirada asesina o resoplido dirigido con mucha intención en 10 minutos de recorrido de mi casa al lugar.

     Segundo obstáculo: una cola de casi media hora. Claro es sábado... Pero me sorprendió gratamente ver allí a tanta gente tan dispar: familias con niños, jóvenes extranjeros, señores de la 3ª edad...


     La entrada. He pensado cómo enfocar este comentario y, dado que se trata de pintura impresionista básicamente, diré lo que más me ha impresionado de toda la exposición: "Flores de loto", de Charles Courtney Curran. No sabría describir exactamente la parte técnica por la que este cuadro me capturó, pero sí se lo que sentí, y fue emoción. Sí emoción de esa que te llega a la piel y a los ojos...una especie de sobrecogimiento interno...no sé... algo mágico. Quizás fue por el contraste, porque después de ver gran número de obras con colores intensos y fuertes, con pinceladas grandes y bastas, con excesos de materia en el lienzo y figuración media, te topas con esta especie de sueño, dulce, suave, difuminado, con un efecto casi de desenfocado...una pequeña parcela de paz. Mi favorito, definitivamente.

         "Flores de loto", óleo de Charles Courtney Curran.


     De entre los demás cuadros ubieron, obviamente, otros tantos que me llamaron la atención y por cosas muy concretas: "Pleno Verano", óleo de James Guthrie, grandes pinceladas, colores en rostros nada realistas, la sensación de sol entrando por las ramas de los árboles e ilumiando ciertos puntos está muy lograda; "Jardin de flores", óleo de Emil Nolde: me llamó la atención que en sus pinceladas se distinguen perfectamente todos los tonos que está usando, sin que éstos se mezclen para formar un tono homogeneo Da sensación de movimiento, de estar vivo), y la poca importancia que le da a la figura que se encuentra cas camuflada entre la vegetación (si ves el cuadro con cierta distancia ni se aprecia que hay una figura!); "Le paon blanc", óleo de Hermen Anglada, el rostro que centra la atención es inolvidable, de mirada oscura, rostro expresivo y la luz sobre la figura central hace que esta destaque de manera especial.

     En general reinaba la sensación de frescura en los cuadros, de paisajes abiertos y coloridos, de cotidianidad robada y momentos instantaneos.....eso es...de "Impresionismo".

     Valió la pena adentrarse un sábado tarde en la jungla...


P.D.: cierto! Nada que ver las fotos a lo que es verlos en "carne y hueso"...o sería "lienzo y pintura"?

Proyecto para pintar los pasillos de un colegio de Aranjuez.

     Como sabeis, unos cuantos estamos en un grupo extraescolar aunque coordinado por 3 profesores de la facultad, entre ellos Macarena.

     El primer proyecto de este grupo es pintar tres pasillos  (con sus respectivas columnas) de un colegio de primaria en Aranjuez.

     Después de un par de reuniones concretamos lo que íbamos a desarrollar: una espacio natural, en el que en cada columna sería un árbol de distinto país y con un niño o animal realizando alguna acción. El techo es el cielo en el que se funden las copas de los árboles. El escenario va evolucionando con las estaciones del año a medida que avanzas por el pasillo.

     Para coordinarnos unos se formaron dos grupo:

     -Figura: encargados de dibujar a los niños y los animales.
     -Fondo: encargados de los árboles y el cielo.

     Yo formo parte del grupo de "Fondo", y mis bocetos de árboles son estos:

     

     No se aprecian muy bien, están hechos a lápiz y pintado flojito, pero bueno...

     Espero que sirvan, porque uno de los inconvenientes que estamos teniendo (a parte de que no sé si por el puente o el exceso de trabajo mucha gente no está presentando sus bocetos a tiempo) es que cada uno está dibujando con un estilo distinto (algunos más infantiles, otros más realistas,...). En fin, a ver cómo lo hacemos al final!!!

     A mí, de momento, me está encantando la experiencia, pensar que los niños verán eso cada día en el cole y puede que llegue a formar parte de recuerdos muy bonitos cuando sean mayores... Aaaaiiissss...

:-.)

Patrick Jean."Pixel attack", una joyita audiovisual.

    
     Transformaciones de iconicidad alta a media y baja...muuuchos ejemplos en este trabajo!!! Un poco tarde para el ejercicio de Análisis de la forma....






PIXELS by PATRICK JEAN. por onemoreprod







Web del artista: http://www.patrick-jean.com/

Web de Pixel Attack: http://www.pixelattack.org/

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Dr. Spok en la Facultad de Bellas Artes.

     Me alegra saber que las artes urbanas también tienen un hueco en España, y no es para menos... Este artista madrileño ha realizado TRABAJOS en las mayores capitales mundiales. Y sí, recalco "trabajos" porque lo de pintar en la calle todavía no es entendido como arte por algunos, véase el alcalde de Alcorcón, que ordenó borrar todas las pintadas de "su" ciudad porque no eran dignas ( y ese era precisamente uno de los reclamos del lugar, al que acudían a pintar desde todas las partes del  mundo artistas reconocidos en esta técnica).

     La conferencia de Dr. Spok se basó prácticamente en una serie de diapositivas con los trabajos que el artista considera los más significativos y, uno a uno, explicaba el lugar y las circunstancias concretas de su realización. Algunos de ellos impresionaban por sus dimensiones que podían llegar a los 5 metros de altura (en las fotos se ponía gente cerca para ver la proporción), otros por el dominio de la perspectiva, otros por el efecto de los brillos que da a sus pinturas,...en fin...todo un portento!

     A parte de sus trabajos urbanos en fachadas, cierres de comercios, muros,...pudimos ver algunos de sus cuadros o series de cuadros realizados en óleo, técnica que prometió no volver a usar más debido a las dificultades que con ella se encontró. Pero realmente el resultado es impresionante, trenes que salen de las paredes, situaciones urbanas,...todo con un realismo y una riqueza de colores digna de envidia (sana!).

      Se conoce, teniendo en cuenta que recurrió varias veces al tema, que el artista tiene un leve conflicto de intereses. Parecía que pedía perdón por lo que algunos llaman "venderse" a la industria y realizar sus trabajos bajo pedido para grandes empresas que utilizan sus imágenes como reclamo publicitario. Algunos de estos detractores se dedican a tachar o ensuciar las creaciones que consideran oportunas (ejemplo, cierres de comercios). Pero parece que este inconveniente es algo habitual en este tipo de arte, y saben que la duración de las obras es corta, también teniendo en cuenta otros factores, como la erosión de los muros y paredes que muchas veces ejercen como soporte. Pero digo yo ¿acaso no es mejor hacer lo que te gusta, aunque sea bajo unas directrices muy cerradas, que tener que trabajar en algo totalmente diferente para sobrevivir?

     Es una lástima que no se puedan encontrar demasiadas imágenes de sus trabajos, y que las que haya encontrado no sean de las mejores, pero en fin...menos da una piedra, no?

"Steal, cut and paste" de Begoña Morea Roy. Galería Raquel Ponce.

     La planta de abajo de la galería Raquel ponce expone la obra de Begoña Morea Roy, una zaragozana afincada en Londres, ciudad que dice haberle influido a la hora de crear.

     Las piezas están hechas de papeles de colores, maderas y elementos textiles básicamente. Dice el galerista que estos collages se asemejan a mapas, por los calados, las formas, las superposiciones,... Y hombre, si te lo dice él... como que intentas verlo (no vaya a ser que la ignoracia artística de una haga que se le pasen por encima maravillosas obras de arte contemporaneo) pero si no....ni rastro de mapa ni nada que tenga que ver con algo interesante (para mí).

     Sinceramente, lo único que me ha llamado la atención positivamente es la mezcla de colores, tonos luminosos e intensos que van desde el verde, fucsia, naranja,... al negro. Pero para gustos...ya se sabe, así que si a alguien no le gustan estos colores, pues ni eso! (Como siempre en mi opinión).

     Por lo demás, creo que los futuros collages de la clase de Análisis de la Forma que tenemos que entregar en breve me resultarán, cuanto menos, más entretenidos.

"Buscando el equlibrio natural" de Mónica Gener. Galería Raquel Ponce.

     Al entrar  en la galería se respira paz. Es uno de esos sitios en los que te tumbarías boca arriba y suspirarías relajado, algo parecido a sentir felicidad. La culpa la tiene el blanco, blanco de las paredes, blanco de las obras de esta artista. Y es que es el color que  más predomina, mezclado con algunos grises, crudos, verdes y algún pequeño toque de negro.

    Se podría decir que en esta exposición hay dos tipos de obras. Uno de ellos toma como base planos de edificios, fotografías retocadas de maquetas y grabados recortados que realiza la artista (Mónica actualmente da clases en la Universidad de arquitectura). Algunos son cubiertos con cristal, sobre los que trabaja con ácido para dar determinadas formas como la sombra de un ábol, otros tienen por detrás luz, haciendo que resplandezca la imagen, otro son un conjunto de pequeñas piezas... Detalles sutiles y delicados.

 

    

     El otro tipo de obras son las que más me han gustado... Se trata de muebles antiguos reciclados, pintados de blanco, en los que la artista introduce fotografías (dejando espacio para la luz detrás) de naturaleza, animales... Los muebles están en el suelo o colgados de la pared. Realmente brillan y transmiten paz....tienen un aire muy Zen.

     Y sí, digo que estas son las que más me han gustado por dos motivos: el primero es por la sensación de paz que he mencionado antes, y porque a mí personalmente las imágenes me han hecho reflexionar, la naturaleza encerrada, lo orgánico y lo inorgánico, construcciones frías frente a seres vivos, pájaros como símbolo de libertad encerrados en objetos antiguos (el pasado),... En fin, que me genera actividad, tanto emocional como intelectual, y eso es lo que me gusta del arte. Y el segundo motivo por el que me han gustado es por mi afición a crear a partir de objetos reciclados. El ir por la calle y encontrarme pequeños tesoritos es una de las mayores satisfacciones de pasear. Claro que también tiene su lado negativo: almacenar cosas hasta que llega el momento en el que dices "Claro!!! Con esto voy a hacer aquello!", y la pertinente bronca de familiares y amigos augurando un futuro  de Diógenes!

     En fin, creo que algún día entenderán.....

     ;-)

Cortometraje "Logorama"

Esto os podría haber ido bien para el trabajo de iconicidad...
 
Brutal corto de animación ganador de un Oscar. Os lo recomiendo muy muy mucho!!!!

http://www.tu.tv/videos/llogorama-completo-en-espanol

 

"Gregorio Iglesias Mayo". Galería Ángel Romero

      Lo que en principio llama más la atención al entrar en contacto con los cuadros es la impresión de oscuridad y lo siniestro que emana de las obras de este artista catalán.

     La galería está dividida en dos plantas. En la superior encontramos una serie de óleos llamada "Metro", único título existente, puesto que los cuadros se nombran por números. Se compone de una serie de obras, casi todas en blanco y negro salvo dos excepciones, en las que el pintor añade manchas rojas, naranjas, verdes y rosáceas, que refuerzan el impacto visual. En estos lienzos podemos apreciar una visión un tanto tétrica de lo que este medio de transporte genera en el autor. Los cuadros son de una iconicidad media, en los que intuimos figuras humanas, oscuras, dentro de túneles,...una sensación de asfixia por momentos. Algunas de estas figuras aparecen colgadas de casi imperceptibles lineas simulando estar ahorcadas en las insatlaciones del metro. La perspectiva y la profundidad de las obras ayudan a crear esta sensación de ahogo. Sus trazos no son limpios, sino más bien está todo un tanto bruto, con gotarrones de pintura que caen por el lienzo, trozos de material incrustados, pegotes de óleo...incluso en algunos de ellos hay palabras o frases escritas aparentemente con carboncillo que generan más sensación de suciedad.

     Personalmente la obra me ha llevado a una especie de complicidad con el autor. Mis viajes en metro son verdaderos "viajes" en los que no puedo evitar sentir una especie de escalofrío cada vez que miro alrededor, cada vez que veo esas caras serias, grises, casi sin vida, de la mayoría de las personas que están en el vagón. Fecuentemente me pregunto ¿serán felices?, ¿qué les pasará por la cabeza? ¿tendrán problemas muy graves? Y una vez más llego a la conclusión de que, por muy distintos que nos creamos, todos somos en cierto modo iguales, y en cierto modo, todos nos creemos el ombligo del mundo.


"Metro"

     En la planta baja de la galería se encuentran otras obras del autor que nada tienen que ver con la temática anterior. Se trata de cuadros de dimensiones impresionantes (algunos de 200X200) también pintados en óleo. La mayoría de ellos forman parte de dos series, "Espacios interiores" y "Homenaje a mis maestros". En esta última podemos ver lo que representa la Última Cena con un grado de iconicidad de los elementos que la componen bastante bajo, ya que es en las manchas que vemos en el lienzo donde podemos intuir lo que serían las figuras y rostros de personas. El mismo estilo, sin embargo, en ambas series,que en la serie "Metro": oscuridad, suciedad, manchas, rayajos, frases escritas (como "en el oceano del cielo"), trazos de carboncillo, blanco y negro...

                                                                 "Espacios interiores"

                                                                                         "Homenaje a mis maestros"

     Estas dos series no me han generado prácticamente nada, excepto una sensación de magnificencia por el tamaño de los lienzos. Ah! Y también por el tamaño de sus precio, que oscilan entre los 4.500 euros y los 25.000. ¿Quien decía que el arte no tiene precio?