Después de los bustos vienen las estatuas y el papel 100x70.
El proceso el mismo: encajar a lápz en Torreón y pasarlo luego a Ingres.
El proceso para manchar sería empezar por aplicar negro al fondo para así tener una referencia (si aplicamos carbón prensado quedará un negro más intenso). Comenzamos la estatua por las sombras más oscuras (si tenemos en cuenta una escala que comprende entre 8 y 10 tonos, el más oscuro sería el negro). Seguimos aplicando un gris madio a toda la figura reservando los blancos para las zonas con más luz. Después iremos subiendo la tonalidad en las zonas que creamos conveniente, siempre intentando no perder el encaje!
No se deben dejar pasos demasiado recortados (a no ser que sea un corte de sombra muy concreto y marcado), incluso en el contorno de la figura, o sea, deberemos difuminar un poco en la mayoría de ocasiones. Para que la figura tenga coherencia en cuanto al tono, nos basaremos en una zona concreta que creamos bien ajustada y en función de ella completaremos el resto. Esto obliga en ocasiones a fijarnos, por ejemplo, en la cabeza y a partir de ahí ajustar el cuerpo basándonos en ella. Para eso podemos usar truquillos, como a la hora de entonar las piernas (a bastante distancia de la cabeza) taparnos visualmente el centro de la figura haciendo que se acerquen, en cieto modo, la parte alta y la baja, facilitando así la comparación de tonos.
La manera de difuminar dependerá de los objetivos buscados. Difuminar con el dedo hace que el carbón quede más impregnado en el papel y no se vaya tanto, pero dejará una textura más de piedra, distinto a hacerlo con un difumino o gamuza, que nos dará un tono más suavizado (más similar a la escayola) pero bajará su tono al llevarse más el carbón. Si lo hacemos con el dedo podemos primero mancharnoslo con al negro del fondo para que no arrastre el material de la figura inicialmente.
Sacaremos detalles de luces que nos falten con un lápiz goma.
Primer trabajo
Segundo trabajo
Tercer trabajo
Último trabajo.
Puede que de momento no sean ninguna maravilla comparado con los dibujos de Juan Presas (mamma mía!!!!), pero qué quereis que os diga...nunca me habría imaginado hacer cosas así! Estoy contenta....
Durante los días 5 y 6 de Mayo se han dado lugar en la Sala de Grados de la Facultad de Bellas Artes Ces felipe II las Jornadas de Arte Público "MAPA 3. Procesos de aprendizaje a través de la intervención en el espacio público".
El programa inicial fue:
- Presentación del grupo de profesores que conforman el proyecto MAPA3
- Presentación de la Fundación Aranjuez Paisaje Cultural como institución colaboradora con el proyecto
- Memoria de las dos muestras de arte público organizadas en los años 2005 y 2006 (proyección)
- Presentación del blog del proyecto http://mapa3.blogspot.com
- Breve intervención sobre conceptos generales de arte público
- Presentación de las bases de la convocatoria Mapa3 (CONVOCATORIA ABIERTA PARA TODOS LOS ALUMNOS DEL CES FELIPE II).
Este era el calendario:
Cada día se formó una mesa de trabajo diferente y las ponencias corrieron a cargo de cuatro artistas invitados, un comisario de arte, un técnico de la Fundación Aranjuez Paisaje Cultural y tres profesores coordinadores del proyecto.
Para saber más del proyecto, aquí teneis el enlace:
Yo únicamente asistí, ya que el horario coincidía con las clases, a la ponencia de María Andueza que tenía por título "La ciudad como espacio antianecoico".
Durante toda la ponencia María nos pondrá un audio como muestra de un proyecto de arte sonoro muy curioso, http://www.turbulence.org/soundtransit/, en el que puedes hacer un viaje a través de los sonidos del recorrido que se elige. Así, si queremos ir desde Madrid a Estambul, sólo tenemos que ir a esta página, insertar la opción elegida, y ya tenemos nuestro viaje sonoro con escalas incluídas. Invito a los que leas esta entrada a hacerlo mientras os haceis un viajecito!
La ponencia:
Esta recién doctorada, que se autodefine como investigadora, artista y creadora, comienza con la definición de lo que sería una cámara anecoica para entender el título de su ponencia. Esto es: sala especialmente diseñada para absorber el sonido que incide sobre las paredes, el suelo y el techo de la misma cámara, anulando los efectos de eco y reverberación del sonido, y que funciona en muchas ocasiones para comprobar la resistencia de determinados materiales. Cuenta la anécdota de John Cage que, frustrado porque no encontraba en las escuelas de música tradicional su sitio, visitó una cámara anecoica y lo que escuchó fue un único sonido grave y otro agudo. Al preguntar qué era eso le contestaron que era el sonido de la vida, es decir, de su propio cuerpo (uno el del sistema nervioso y otro el del circulatorio). De ahí surgió la idea de que "el silencio no existe".
A raiz de esta explicación, María afirma que para ella la ciudad es todo lo contrario, un espacio que acoge y completa, donde el sonido genera unas relaciones que cobran importancia, en el que el ciudadano pasa a formar parte activa de su "arte sonoro". Insta a los asistentes a perder el miedo a no ser músicos a la hora de crear este tipo de arte, ya que lo verdaderamente importante es la parte conceptual del sonido.
Como punto de partida nos encontramos en los alrededores de los años 70, en los que los artistas deciden llevar a la calle el arte creando Happenings, por ejemplo, para acercarse más al ciudadano y expresar con ello su rechazo al capitalismo. De esta manera, la ciudad se convierte en una especie de laboratorio para las creaciones y el público es simplemente gente que casualmente pasa por el lugar.
María centra su intervención en la presentación de 4 artistas de este género y finalmente en su obra. Los mencionados son:
-Max Neuhaus: considerado el padre del arte sonoro, gran teórico y diseñador, fallecido en 2009. Trabajaba en espacios públicos de manera anónima. Algunas de sus obras son "Listen" (desde 1966 a 1976), paseos donde lo importante es escuchar el recorrido, o "Times Square" (1977), actualmente en funcionamiento. Ésta última obra se trata de la instalación de una bocina con altavoz bajo la rejilla de uno de los respiraderos del metro en el suelo de la plaza. Gracias a las corrientes de aire, se alteran las frecuencias provocando sonidos impropios del lugar que llaman la atención de algunos (no todos) los viandantes. Neuhaus prefería el anonimato en sus obras porque no pretendía que la gente fuera en busca de ellas, sino que les sorprendieran en el lugar y momento más insospechado, generando así el desconcierto e incluyéndolos a la vez en la obra como parte activa.
Otra de sus obras es "Time Piece Graz", en Austria, 2009. Se trataba de incorporar un sonido de manera muy progresiva, casi imperceptible. El verdadero impacto se produce al eliminar súbitamente ese sonido cuando ha alcanzado un volumen considerable. Como cusiosidad y a raiz de esto, diseñó un despertador empleando este sistema que resultó que cumplía su misión: te despiertas en el momento en el que un sonido introducido progresivamente deja de sonar de repente (así el despertar no es tan desagradable! Quiero uno!!!).
-Bill Fontana: trabaja con las instituciones, así cuenta con fondos para realizar sus obras. Trabaja con la idea de sonido como monumento. Un ejemplo es "Panoramic echoes" (N.Y., 2007). Esta obra consiste en la instalación de altavoces en los tejados del perímetro de la plaza Madison Square Garden en los que resuenan las campanas (que dejaron de funcionar hace años) junto con el piar de pájaros. Esto genera en la gente reacciones diversas, para algunos pasa desapercibido y los más curiosos alzan la vista extrañados. Configura un paisaje sonoro en un contexto específico.
Bill Fontana
-H. Westerkamp: el máximo exponente de lo conocido como "paisaje sonoro", término que surge en Canadá alrededor de los años 70. Pretende preservar la sonoridad, que afirma está dejándose de lado cada vez más, llevándola hacia la música.
-Christina Kubisch: trabaja con lo que se encuentra oculto en la ciudad, con lo que no percibimos a "simple oído". Un ejemplo de sus obras es "Electrical Walks", amplificación de sonidos de dispositivos eléctricos que percibiremos sólo con el empleo de auriculares. Muestra así una capa sonora oculta en circunstancias normales. También genera reacciones diversas, gente interesada y gente que pasa de largo ante la obra.
Otros artistas mencionados son:
-Carl André y su "Steel Patch" (1985).
-Georg Klein con "Sound of the Marl Mitte Space", arte sonoro más social. Grabaciones de mensajes críticos dejados por los ciudadanos en las paredes de su ciudad, con gran cantidad de edificios abandonados tras el boom de la industrialización. Considera que las pintadas en las paredes ya nos pasan casi inadvertidas, pero que no podemos evitar el sonido.
-Andreas Oldörp y "Peep", en Braunschueigs, 2009. Reproduce sonidos del barrio rojo detrás de cierres metálicos en las calles.
Para finalizar, María, que afirma que el arte público suele ser eventual pero te llevas de él la experiencia, nos habla de dos de sus obras: "Algarabía" (Vitoria, 2009), 8 altavoces situados en la copa de varios árboles configurando un cuadrilátero. A través de ellos se reproducen sílabas que, gracias a un programa informático (Pure Data), se van multiplicando hasta asemejarse al estruendo formado por infinidad de pájaros trinando. Como apunte menciona que los que más perciben el sonido son los niños y los ancianos. La otra obra expuesta es "Situación de bóveda" (2009), emplazada en la Residencia de Estudiantes, situando de nuevo altavoces en unos árboles que forman una cúpula sobre un banco en los jardines. Esta vez quiso "dibujar" con sutileza para no romper el entorno a través de sonidos (un golpe seco y un objeto arrastrado) cuya frecuencia va variando aleatóriamente.
Concluye su intervención con una cita de Heidi Grundmann, "La obra de arte se convierte en un souvenir que evoca memorias más complejas que el objeto en sí mismo".
Muto es la técnica de animación con pintadas en las paredes públicas en stop-motion.
Blu es una artista italiano sorprendente en esta técnica. El dibujo lineal de este artista es simple pero muy narrativo. Prescinde del color excepto cuando le es necesario. Siempre hay una direccionalidad y movimiento en el plano hacia el nuevo dibujo que surge con extremada fluidez.
El ejemplo a continuación fue pintado en las paredes de Buenos Aires y Baden.
La exposición actual en el museo Thyssen Bornemisza-Fundación Caja Madrid tiene por nombre "Heroínas", un título que a mí, de entrada, me llama la atención.
Plantea una muestra que destaca, contrariamente a la representación más generalizada de la mujer en nuestra tradición artística (normalmente reducida a la maternidad y al objeto sexual), el lado triunfador, activo, independiente y creador del género femenino.
Así la exposición, que abarca obras desde el Renacimiento hasta la actualidad, está dividida en varias secciones, agrupadas no según la cronología sino por su temática. Los títulos son:
Como siempre, y dado el gran número de piezas, destaco las que personalmente me han llamado más la atención por algún motivo:
-"Medea", de Evelyn de Morgan: pintada al óleo, la sutileza de las transiciones en los tonos en el ropaje, la perspectiva y la representación de los materiales me ha dejado un rato atónita.
"Medea"
-"Circe ofreciendo la copa a Ulises", de John William Waterhouse: las transparencias en el ropaje son increíbles.
"Circe ofrecienco la copa a Ulises"
-"Leyendo", de Gerhard Richter: un trabajo en óleo cuyo realismo hace que sea difícil no confundirla con una fotografía.
"Leyendo"
-"Mujer de rodillas en una pira", de Kiki Smith: impresionante escultura realizada en bronce sobre tacos de madera, nada de detalle, pero impactante tanto por sus dimensiones como por su significado.
"Mujer de rodillas en una pira"
-"Autorretrato con collar de espinas y colibrí", de Frida Kahlo: personalmente la trayectoria de esta mujer me fascina, y sus autorretratos, tan directos y sinceros me gustan muchísimo.
"Autorretrato con collar de espinas y colibrí"
-"Santa Catalina leyendo un libro", de Onorio Marinari: la reproducción de los brillos, las luces, los tejidos y la suavidad en el difuminado de la figura, especialmente el rostro, es impresionante (aunque en la fotografía no se aprecia bien).
"Santa Catalina leyendo un libro"
-"Autorretrato", de Charley Toorop: destaco el uso de colores contrastados, líneas muy marcadas (asemejando los cuadros a ilustraciones) y las pinceladas bastas y contundentes. La imagen a continuación no es la expuesta en el museo, pero no la he encontrado... :-(
"Autorretrato"
En definitiva, una exposición variada que recomiendo visitar! Si quereis echar un ojo antes aquí teneis el enlace:
Después de los bocetos para el trabajo de "Cristal" comenzamos con nuestro primer lienzo (yujuuuu!!!). Para ello prepararemos el bastidor previamente:
-compramos las maderas montadas, preferiblemente de pino o álamo. Tamaño 50x80 centímetros aproximadamente, y tela de lino o algodón.
-colocamos la tela por la parte en la que los listones tienen una pequeña endidura (esto hace que la tela no quede pegada a la madera).
-empezamos grapando (3 grapas unidas en sentido diagonal) la tela en el centro de uno de los listones más cortos.
-desde el otro lado tensamos (si tenemos pinzas tensoras mejor) y hacemos lo mismo en el listón opuesto.
-después 3 grapas más en el centro del listón más largo y finalmente el cuarto (tensando también). La tensión debe ser media, porque en exceso hace que la tela se abra y la capa de imprimación la atraviese, y poco tensa deja el lienzo flácido.
-completamos el grapado en los espacios de los listones que están vacíos, ya con una separación entre grapas un poco mayor, y sin olvidarnos de tensar un poco.
-se recorta el sobrante de tela que queda detrás, dejando un mínimo en las esquinas para poder doblarla. Las dobleces en las esquinas se hacen enfrentando laterales, es decir, si dejamos las dos esquinas del listón largo con la doblez mirando hacia adentro, haremos que las del listón opuesto miren hacia adentro también.
-aplicamos una primera capa de imprimación en un sentido. Ésta está compuesta a partes iguales por creta, pigmento blanco, acetato de polivinilo y agua. Una vez seca aplicamos una segunda capa en sentido contrario. Al secarse ya podemos comenzar a pintar!
El ejercicio consiste en reproducir la misma imagen dos veces, una con acrílico y otra con acrílico acuarelado. Según mis bocetos y el montaje de prueba que hice en Photoshop el desenlace fue este:
Prueba encaje con Photoshop
Lienzo
La mayor dificultad fue, como no, el acrílico acuarelado, que consistía en hacerlo a base de veladuras para aumentar los tonos,... Las partes finales, a base de práctica, ya salieron mejor, pero el principio....un pequeño desastre! Aún así, a mí megusta, qué quereis que os diga... :-D
En esta ocasión Juan nos mandó hacer una copia de un dibujo manchado a líneas (esta vez cruzadas) empleando plumilla y tinta negra.
Antes de comenzar nos aconsejó hacer pruebas para comprobar la cantidad de tinta que sale según la presión ejercida con la plumilla, el tipo de punta empleada,...
Condición: que no hubiera ningún manchón ni exceso de tinta!
Original
Reproducción
Ahora puedo afirmar que me gusssssta la plumilla.....
En 1946 Walt Disney encargó a Salvador Dalí la realización de un cortometraje animado de seis minutos de duración titulado Destino, basado en la canción homónima de Armando Domínguez. El proyecto del que sólo llegaron a rodarse 20 segundos de prueba no cuajó, hasta que Roy Disney y el productor Baker Bloodworth decidieron en 2003 sacarlo adelante, partiendo de los bocetos e instrucciones que había dejado Dalí.
El último trabajo con Chus ha sido crear una pieza de poliuretano inspirada en los grabados de Goya o en pinturas de Francis Bacon. Yo elegí un lienzo de Bacon, considerado uno de los mejores pintores del siglo pasado y con una serie de retratos y autorretratos en los que el autor deforma y secciona los rostros como reflejo del interior:
Lienzo de Francis bacon
Para empezar, tuvimos que hacer nuestra figura sobre una base de madera pequeña (con alambre como pilar de apoyo) empleando plastelina blanca mezclada con polvo de barro machacado. La escasa cantidad de barro hará que la masa tenga un poco más de consistencia pero debe seguir registrando las huellas dactilares. Para trabajar la pieza emplearemos un palo de modelado de madera pequeño que previamente hemos fabricado.
Este es mi modelado inspirado en Bacon y con toque personal en la parte posterior:
Lo siguiente será hacer un molde de la pieza con silicona. A la base de silicona mezclada con reticulante se le añade agente de curado que funcionará como catalizador (100ml de base+ 5% de agente de curado). Con esta mezcla vamos echando pequeños hilos a la figura hasta que quede recubierta completamente por una fina capa, moviéndola en todas las direcciones asegurándonos de que entra por todos los orificios y recovecos sin dejar burbujas de aire.
A la misma masa se le añaden unas gotas de un agente tixotrópico que hará que se espese hasta que prácticamente no descuelgue. Con ella proporcionamos otra capa a la figura, esta vez de unos 5 a 8 mm de grosor, empleando un pincel y alisándola finalmente con las manos mojadas. Se deja secar unas horas.
Seccionamos por la mitad verticalmente el molde de silicona e introducimos pequeños recortes de acetato que después nos facilitará separar las mitades para vaciar la plastelina.
Sobre esto hacemos el contamolde de escayola de aproximadamente 1 cm, asegurándonos de que sobresalen los fragmentos de acetato. Este molde hará que la silicona quede empotrada sobre un material rígido y no se deforme al rellenarla para hacer el positivo.
Una vez seca la escayola (20-30 minutos) separamos las dos mitades con la ayuda de un cuter o similar. Sacamos el molde de silicona y quitamos toda la plastelina del interior. Para eliminarla totalmente podemos emplear un cepillito con agua y jabón.
Volvemos meter el molde en el contramolde y unimos las dos mitades con la mayor precisión. Para esto es aconsejable haber hecho previamente unas marcas a la escayola (como una lineas que atraviese las dos mitades) y así evitar que queden movidas. El más mínimo despalazamiento hará que la pieza quede desencajada. Sujetamos las mitades con cinta de carrocero y a las pequeñas fisuras se les ponen pegotes de platelina para evitar que el poliuretano se escape. La escayola deberá tener un agujero, normalmente en la parte inferior, por donde rellenarla.
La mezcla de poliuretano que nos proporcionó Chus debe vertirse rápidamente en el molde porque se solidifica y acaba deshaciendo el recipiente de plástico en el que la hemos hecho.De nuevo hay que mover bien el líquido en el interior para que no quede aire en ningún hueco.
En unos 30 minutos el poliuretano se endurece y voilà, separamos las dos mitades y presenciamos el nacimiento de nuestra pieza!
Para arreglar imperfecciones se usa una lija fina o un cuter si es necesario y así dejarla niquelada. La volvemos a colocar en la base de madera y listo.
Opcionalmente podíamos darle una o varias pátinas de pigmento disuelto en acetona. Al tono uniforme se le pueden sacar brillos empleando un algodón con la misma acetona pura. En mi caso, dí primero una capa marrón y después dos verdes, consiguiendo un acabado que se asemeja al bronce.
Para la asignatura de Color/Fundamentos de la Pintura hemos hecho nuestra primera pieza sobre lienzo. Anteriormente teníamos que realizar tres bocetos de lo que sería el trabajo. Éste consistía en reproducir algo de cristal, ya sean las transparencias, brillo,... Yo elegí representar las deformaciones que hacen algunos cristales sobre las imágenes. Para ello escogí una fotografía a la que apliqué varios filtros de Photoshop (entre ellos "Distorsionar"----->"Cristal"-----> Textura "Cubos").
El nuevo trabajo para sombrear no consistía en rayado, sino difuminando el lápiz un poco donde fuera necesario. Lo más importante el rostro, lo demás en plan boceto. Fue sobre un dibujo de Leonardo.
